Những đồng cỏ lặng im, bờ biển lấp lánh, bầu trời đỏ thắm và những ngọn đồi nhấp nhô: Khi nghĩ đến tranh phong cảnh, có một vài hình ảnh tiêu biểu hiện ra trong chúng ta. Theo nghĩa truyền thống, phong cảnh có xu hướng là những cảnh đồng quê, như những bức tranh của John Constable, hoặc những dãy núi cao chót vót của Albert Bierstadt và trường phái Sông Hudson. Trong nhiều thế kỷ, các nghệ sĩ phong cảnh đã tiếp cận thế giới tự nhiên với sự tôn kính, nhằm mục đích hoàn thiện các hình thức bình dị của nó. Tuy nhiên, việc miêu tả môi trường tự nhiên ngày nay đòi hỏi nhiều sắc thái hơn. Ở nhiều nơi trên thế giới, bản thân phong cảnh đang ngày càng trở nên bất ổn do tác động của biến đổi khí hậu. Và các nghệ sĩ phong cảnh đương đại đang phản ứng bằng những hình ảnh về thiên nhiên theo những cách tiếp cận mới, sáng tạo. Một số người có cách tiếp cận giống như mơ, biến cây xanh trước mặt họ thành những hình ảnh kỳ ảo, siêu thực. Những họa sĩ phong cảnh khác thậm chí còn đi xa hơn, đặt câu hỏi về chính bản chất của thể loại này.
David Hockney đã từng nói, “Thưởng thức phong cảnh là một điều hết sức thú vị.” Các họa sĩ đương đại đang ghi nhớ điều đó. Cho dù thông qua các thử nghiệm táo bạo với bảng màu kỹ thuật số và các chất liệu khác thường, hay bằng cách phá vỡ hình ảnh tài liệu với các sắc thái xã hội chính trị, các họa sĩ phong cảnh đương đại đang định hình lại cách chúng ta cảm nhận và tương tác với thế giới tự nhiên.
Ở đây, Artsy nêu bật 10 nghệ sĩ đương đại có các hoạt động đang đổi mới hội họa phong cảnh.
Shara Hughes
Sinh năm 1981, Atlanta. Sống và làm việc ở New York.
Shara Hughes, ‘Những màu sắc đích thực’, 2023,
David Kordansky Gallery
Shara Hughes, ‘Lăn lộn’, 2023, David Kordansky Gallery
Hoàng hôn rực lửa, những cánh rừng quanh co và những cánh đồng rực rỡ định hình nên phong cách của Shara Hughes, nghệ sĩ sinh ra tại Atlanta, sống tại Brooklyn. Nguồn cảm hứng đa dạng của Hughes trải dài từ các họa sĩ trường màu đến trường phái Hậu ấn tượng. Mặc dù các tác phẩm của cô không được vẽ ngoài trời, nhưng cô có cách tiếp cận ôn hòa với nét cọ của mình. Ví dụ, trong ‘Tumble’ [Lăn lộn], mô tả một thác nước đổ xuống, những cái cây và hòn đảo xanh được thể hiện bằng những nét cọ dài mang tính cử chỉ.
Nghệ sĩ sử dụng màu sắc thu hút người xem vào thế giới của mình, bao gồm các cảnh thiên nhiên được vẽ từ trí nhớ thay vì hình ảnh tham khảo. Bảng màu đa sắc biến những cảnh tĩnh thành hình ảnh tràn đầy sức sống. Ví dụ, trong ‘True Colors’ [Những màu sắc đích thực], một bức tranh về một hàng cây khúc xạ trên bề mặt của một đầm tối được tô điểm bằng những vệt màu sáng, quanh co.
Hughes được đại diện bởi Phòng trưng bày Pilar Corrias ở London, Phòng trưng bày Eva Presenhuber ở Zürich và Phòng trưng bày David Kordansky ở Los Angeles.
Beau Carey
Sinh năm 1980, Albuquerque. Sống và làm việc ở Albuquerque.
Beau Carey, ‘Fire Kasina’, 2023, Richard Levy Gallery
Beau Carey, ‘Gibarian’, 2022, Visions West Contemporary
Beau Carey không hề sợ hãi. Từ việc vẽ trên một chiếc bè rộng 10 feet giữa Hồ Superior cho đến việc ghi lại vẻ đẹp của Bắc Cực, nghệ sĩ phong cảnh người Mỹ này phát triển mạnh mẽ trong những môi trường thách thức nhất. Carey sử dụng những địa điểm táo bạo làm điểm khởi đầu cho các tác phẩm có hoa văn phức tạp. Trong bức tranh phong cảnh đỏ rực ‘Fire Kasina’ (2023), nghệ sĩ vẽ một ngọn núi, sau đó đảo ngược và xếp lớp đỉnh núi để tạo ra các hoa văn phân tầng. Những tác phẩm này lấy cảm hứng từ thực hành thiền Kasina, trong đó điểm tập trung là một hình ảnh duy nhất.
Trong các bức tranh sơn dầu của mình, Carey thường kết hợp nhiều đường chân trời khác nhau để tạo ra những cảnh quan tưởng tượng, như trong ‘Gibarian’ (2022), nhiều dãy núi dường như được xếp chồng lên nhau. Ở những nơi khác, Carey đảm bảo đưa vào các tham chiếu đến mặt trời, được thể hiện dưới dạng một vòng tròn tông màu ấm áp, dịu nhẹ nhô lên trên những cảnh quan núi non. Ví dụ, trong ‘Duino Elegy’ (2023), mặt trời xuất hiện nhiều lần ở các vị trí khác nhau trên đường chân trời.
Các tác phẩm “Kasina” của Carey gần đây là chủ đề của “Nameless Mountain” [Núi không tên], một triển lãm cá nhân tại Phòng trưng bày Richard Levy vào tháng 5 năm 2024.
Paul Anthony Smith
Sinh năm 1988, St. Ann’s Bay, Jamaica. Sống và làm việc tại New York.
Paul Anthony Smith, ‘Những giấc mơ gián đoạn #33’, 2022,
Jack Shainman Gallery
Mỗi đêm, Paul Anthony Smith ngủ với một chiếc nẹp ở tay phải. Đây là biện pháp phòng ngừa chấn thương do quá trình “picotage” [tiêm từng giọt] gây ra. Quá trình này bao gồm việc nghệ sĩ đâm thủng bề mặt của bản in phun bằng kim của thợ gốm, chẳng hạn như trong bức tranh hoàng hôn ‘Eye Fi Di Tropics (St. Thomas)’ (2023), trong đó nghệ sĩ thêm một thiết kế giống như hàng rào lên trên tác phẩm.
Cách tiếp cận sáng tạo này đối với nghệ thuật phong cảnh mở rộng đến loạt tác phẩm ‘Dreams Deferred’ [Những giấc mơ gián đoạn], trong đó nghệ sĩ phủ nhiều lớp sơn dầu dạng que lên các bản in phun của những bức ảnh. Những bức tranh impasto này có hình ảnh những khu vườn tươi tốt, đầy hoa, sau đó bị che khuất bởi hàng rào mắt cáo mà nghệ sĩ đã phun sơn sau đó. Ví dụ, ‘Dreams Deferred #33’ [Những giấc mơ gián đoạn # 33] (2022) tách người xem khỏi một luống hoa hồng đỏ, gợi lên cảm giác cô lập và kiểm soát.
Smith được Timothy Taylor tại London và Phòng trưng bày Jack Shainman tại New York đại diện. Nghệ sĩ cũng đã tổ chức các triển lãm cá nhân tại Luis de Jesus Los Angeles và Green Gallery ở Milwaukee.
Kylie Manning
Sinh năm 1983, Juneau, Alaska. Sống và làm việc ở New York.
Kylie Manning, ‘Hẹn gặp bạn ở bên kia’, 2020, Đấu giá từ thiện,
Học viện Nghệ thuật New York
Đường chân trời rộng lớn của Alaska đã để lại ấn tượng sâu sắc cho một Kylie Manning trẻ tuổi. “Nhiều người nghĩ rằng đó là một quyết định theo chủ nghĩa nữ quyền với những tác phẩm lớn, lật ngược tính nam để tạo ra những kiệt tác này,” Manning từng nói với Flaunt. “Nhưng thực tế thì đó chưa bao giờ là mục đích. Vì tôi lớn lên ở những vùng đất rộng lớn này, đó chỉ là một quyết định rất tự nhiên nảy sinh từ việc lớn lên ở Alaska.”
Tương tự như vậy, những vùng đất ngập tràn ánh nắng của Mexico, nơi Manning và cha mẹ là giáo viên nghệ thuật của cô đã dành nhiều thời gian ở đó, cũng ảnh hưởng đến tác phẩm của cô. Điều này thể hiện rõ trong phong cảnh đầy nắng với dải màu vàng tươi trong ‘Three Augusts’ [Ba tháng tám] (2020). Các tác phẩm có quy mô lớn, mang tính cử chỉ gợi lên những địa hình riêng biệt và thường có những bóng ma mơ hồ hòa vào môi trường khác biệt của chúng, như trong ‘Sea Change (Diptych)’ [Biển biến đổi (Bộ đôi)] (2023).
Manning được đại diện bởi Pace Gallery, nơi đã tổ chức triển lãm cá nhân của cô mang tên “Sea Change” tại Hong Kong vào tháng 3 năm 2024 sau khi chương trình ra mắt tại Bảo tàng X ở Bắc Kinh vào tháng 2 năm 2024.
Rush Baker IV
Sinh năm 1987, Washington, D.C. Sống và làm việc ở Hạt Prince George’s, Maryland.
Rush Baker IV, ‘Vô đề’ (Phong cảnh Gettysburg), 2024, Hemphill Artworks
Rush Baker IV, ‘Phần còn lại’, 2024, Hemphill Artworks
Là con trai của một chính trị gia ở Washington, D.C. và là đại biểu tham dự Đại hội toàn quốc của đảng Dân chủ năm 2024, Rush Baker IV muốn các bức tranh của mình tạo ra diễn ngôn chính trị. Trong triển lãm của mình tại Hemphill Artworks ở Washington, D.C., “Landscapes” [Những phong cảnh], một tuyển chọn các tác phẩm trừu tượng sử dụng ảnh lưu trữ và đồ lưu niệm trực quan từ thời Nội chiến bình luận về tình hình hỗn loạn chính trị xã hội ở Hoa Kỳ.
Trong triển lãm này, Baker lấy các bản in giấy của các cảnh quan lịch sử và phủ chúng bằng bột màu, nhựa thông và thạch cao. ‘Vô đề (Phong cảnh Gettysburg)’ (2024) trình bày một phần cảnh quan đồi núi Pennsylvania nơi diễn ra Trận Gettysburg, bị bao phủ bởi các cạnh màu than xâm lấn và các mảng vàng. Ở đây, Baker thể hiện ý nghĩa lịch sử của trận chiến đồng thời nhấn mạnh mối nguy hiểm của việc ký ức tập thể của xã hội bị che khuất.
Sau khi tốt nghiệp với bằng Cử nhân Mỹ thuật tại Cooper Union năm 2009 và bằng Thạc sĩ Mỹ thuật tại Đại học Yale năm 2012, Baker bắt đầu nghĩ đến việc sử dụng tranh vẽ của mình như một cách để tạo ra diễn ngôn xung quanh chính sách. Tác phẩm của nghệ sĩ đã trở thành chủ đề của các triển lãm cá nhân tại Hemphill Artworks và Keijsers Koning ở Dallas.
Michelle Jezierski
Sinh năm 1981, Berlin. Sống và làm việc ở Berlin.
Michelle Jezierski, ‘Hợp nhất’, 2023, Galerie Wolfgang Jahn
Michelle Jezierski, ‘Sương mù’, 2022, Galerie Wolfgang Jahn
“Phong cảnh không cho thấy bạn đọc nó như thế nào, mà là những gì đang diễn ra bên trong bạn”, Michelle Jezierski chia sẻ với Berlin Art Link. Đối với nghệ sĩ đến từ Berlin này, tranh phong cảnh giống trừu tượng ở chỗ người xem đưa khuynh hướng của họ vào tác phẩm. Vì vậy, thay vì vẽ phong cảnh truyền thống, Jezierski ghép các đường chân trời và bầu trời lại với nhau để tạo ra những viễn cảnh phân đoạn, như thể hiện rõ trong ‘Haze’ [Sương mù] (2022), các dải của hai hình ảnh riêng biệt tương phản với nhau. Ở những nơi khác, cô áp dụng cùng một nguyên tắc như các khối gạch. Trong ‘Bit’ (2023), một viễn cảnh đầy nắng được xen kẽ với các viên gạch của một hoàng hôn rực rỡ.
Được đào tạo tại Đại học Nghệ thuật Berlin với nhà điêu khắc Tony Cragg và tại Cooper Union New York với họa sĩ Amy Sillman, Jezierski đã trình bày tác phẩm của mình trên khắp nước Đức tại các địa điểm như Schwartzsche Villa ở Berlin và Kunst & Denker Contemporary ở Düsseldorf. Triển lãm cá nhân của cô tại Galerie Wolfgang Jahn, “Lapse”, giới thiệu các tác phẩm trong đó viễn cảnh rực rỡ bị phân mảnh. Ví dụ, ‘Meld’ [Hợp nhất] (2023), đặc trưng bởi các mảng màu cam, đỏ và tím rực rỡ, được chia thành hai phần giống như một hình ảnh kỹ thuật số bị lỗi. Những cảnh quan này phá vỡ ý tưởng về sự hoàn hảo và khiến người xem nhận thức về cảnh quan luôn thay đổi.
Jeremy Shockley
Sinh năm 1982, Travelers Rest, South Carolina. Sống và làm việc ở Los Angeles.
Jeremy Shockley, ‘Nơi nào đó trên, đằng sau và bên dưới’, 2019, V1 Gallery
Jeremy Shockley chuyển đến New York sau khi tốt nghiệp Đại học Winthrop ở Nam Carolina để theo đuổi công việc liên quan đến tâm lý học. Anh lại trở thành quản lý ở studio của Tom Sachs, nơi thế giới nghệ thuật cuốn lấy anh. Sau 10 năm, Shockley cuối cùng đã đến Los Angeles, nơi anh quyết định cống hiến hết mình cho sự nghiệp hội họa.
Shockley tìm thấy nguồn cảm hứng cho những bức tranh phong cảnh vui tươi từ chủ nghĩa hiện thực huyền ảo, “cụ thể là thêm các yếu tố kỳ diệu vào những tình huống tầm thường theo cách thực tế”, anh nói với VoyageLA. Điều này thể hiện rõ nhất trong phong cách trompe l’oeil đặc trưng của anh, được thấy trong các bức tranh chân trời rực rỡ như ‘Lil Sunburster’ (2023). Ở những nơi khác, cách tiếp cận đối với hội họa phong cảnh thể hiện rõ trong ‘Somewhere Over, Behind, and Beneath’ [Nơi nào đó trên, đằng sau và bên dưới] (2019), một phong cảnh giông bão được vén lên như một tấm rèm để lộ ra cầu vồng ngập tràn ánh nắng trên nền xanh tươi.
Vào tháng 3 năm 2024, Shockley đã trình làng 10 tác phẩm với Saint Laurent tại Rive Droite Los Angeles cùng với bộ sưu tập áo phông, túi tote và bưu thiếp. Trong những năm gần đây, Shockley đã thực hiện các triển lãm solo với Moosey, The Hole và V1 Gallery.
Cobi Moules
Sinh năm 1980, Oakdale, California. Sống và làm việc ở Philadelphia.
Cobi Moules, ‘Mưa những mảnh lấp lánh (Núi Katahdin)’, 2023,
Fleisher/Ollman
Cobi Moules lần đầu tiên học vẽ tranh qua những cảnh quan xung quanh quê hương nông thôn của mình. Đối với anh, những khung cảnh bình dị của nước Mỹ có một nét tiêu cực, gắn liền với những ý thức hệ bảo thủ trong quá trình trưởng thành. Lấy cảm hứng từ kinh nghiệm của mình với tư cách là một nghệ sĩ chuyển giới ở vùng nông thôn nước Mỹ, giờ đây anh tái hiện những cảnh quan hùng vĩ đã truyền cảm hứng cho Trường phái Sông Hudson vào thế kỷ XIX, thêm silicon giống như da thịt vào những bức tranh của mình, ở mép hoặc trên đỉnh bức tranh, để tích hợp cơ thể một cách vật lý và ẩn dụ vào các tác phẩm.
Chất silicon hữu hình được đặt cạnh những bức tranh phong cảnh tươi sáng, đầy nắng của Grand Canyon và Núi Katahdin. Trong ‘Showering Of Sparkling Bits (Jockstraps at Grand Canyon with Rainbow)’ [Mưa những mảnh lấp lánh (Jockstrap ở Grand Canyon với cầu vồng)], silicon bao quanh bức tranh. Ngược lại, trong ‘Bigger, Faster, and Hungrier (Natural Bridge)’ [Lớn hơn, Nhanh hơn, Đói hơn (Natural Bridge)], silicon gần như bao phủ hoàn toàn bức tranh, được đánh dấu bằng những vết giống như nốt ruồi, như thể biến cảnh quan thành một thực thể sống.
Những tác phẩm này là một phần trong triển lãm cá nhân gần đây nhất của Moules, “Showering of Sparkling Bits,” tại Phòng trưng bày Schlomer Haus vào tháng 5 năm 2024.
Emilio Perez
Sinh năm 1972, New York. Sống và làm việc ở Brooklyn.
Emilio Perez, ‘Những ghi chú từ Mona Passage #1 Rincon, Puerto Rico’, 2023,
Kates-Ferri Projects
Emilio Perez, ‘Những ghi chú từ Mona Passage #2 Rincon, Puerto Rico’,
2023, Kates-Ferri Projects
Họa sĩ người Mỹ gốc Cuba Emilio Perez coi con dao X-Acto của mình như một cây cọ vẽ. Trong tác phẩm của mình, nghệ sĩ phủ men và cao su trước khi khắc qua bề mặt vẫn mềm dẻo để tạo ra các hình dạng ngoằn ngoèo và gồ ghề bên dưới, định hình các tác phẩm theo thời gian thực. Những tác phẩm Biểu hiện Trừu tượng này tạo tiền đề cho quá trình chuyển đổi của nghệ sĩ sang tranh phong cảnh sau đại dịch COVID-19, chẳng hạn như ‘Notes From the Mona Passage #1 Rincon, Puerto Rico’ (2023), nơi các hình dạng thắt nút, chảy và bảng màu kỹ thuật số tạo ra những cảnh quan thiên đường.
Sinh ra tại New York vào năm 1972, Perez lớn lên trong sự ảnh hưởng của Cuba mà cha mẹ để lại vào năm 1961. Tác phẩm của nghệ sĩ tiếp cận các cảnh quan Mỹ Latinh bằng ống kính bình dị này. Ví dụ, ‘In the Garden Of What Was’ [Trong khu vườn đã từng] (2024) miêu tả một thung lũng Eden với phấn màu mềm mại và nét cọ uyển chuyển truyền tải chuyển động của gió qua những tán lá xanh tươi và dòng nước đổ xuống, tạo nên bầu không khí như mơ. Những cảnh quan này gần đây nhất là chủ đề của một triển lãm cá nhân mang tên “Phát kiến tự nhiên” tại Bienvenu Steinberg & C ở New York vào năm 2024.
July Guzman
Sinh năm 2001, Guadalajara, Mexico. Sống và làm việc ở California.
July Guzman, ‘Trăng lặn’, 2024, 1969 Gallery
July Guzman, ‘Chuyến đi chơi’, 2023, 1969 Gallery
Mới tốt nghiệp Trường Thiết kế Rhode Island, họa sĩ 23 tuổi July Guzman quan tâm đến những điều cực đoan của tranh phong cảnh. Các tác phẩm của anh trải dài từ những bức tranh miêu tả chân trời, chẳng hạn như bức hoàng hôn ‘Chimes’ đến những thử nghiệm táo bạo với hình khối và màu sắc rực rỡ, như trong bức tranh sơn dầu xoáy ‘Red Flood’ [Lũ đỏ] của anh.
Sự sẵn lòng phá vỡ kỳ vọng của anh về một bức tranh phong cảnh được thể hiện rõ trong các tác phẩm như ‘Moonset’ [Trăng lặn]. Trong tác phẩm đó, Guzman phủ lên toan một lớp sơn đen có kết cấu được tô điểm bằng một chấm màu cam rực rỡ dường như phát sáng từ bên trong. Trong khi đó, anh thường tìm một điểm chung, như trong tác phẩm ‘Boat in a Bay’ [Thuyền trong vịnh], nơi một quả cầu hướng dương nằm một cách bí ẩn trên bề mặt đại dương, thêm một chút thanh thoát cho khung cảnh vốn đã quen thuộc. Những tác phẩm này đã được giới thiệu trong lần ra mắt của anh tại New York, “Along the Line,” [Dọc theo đường nét] tại Phòng trưng bày 1969 vào tháng 9 năm 2024.
Bài viết của Maxwell Rabb
Nguồn: Artsy
Lược dịch bởi Viet Art View
