Chân dung Stanley Whitney trong studio của ông, ảnh của Pushpin Films. © Stanley Whitney. Được phép của Gagosian.
Tranh trừu tượng của Stanley Whitney sử dụng các khối màu như một cách để xây dựng nhịp điệu và không gian trên những tấm toan. Họa sĩ ví cách tiếp cận của mình là gọi và đáp, hình thức âm nhạc huyền thoại được sử dụng khi hát thánh ca trong nền văn hóa Da đen miền Nam [nước Mỹ]. Trong những bài hát như vậy, một ca sĩ gọi khán giả, ra hiệu cho họ đáp lại bằng một lời hát. Bằng cách sắp xếp quy trình sáng tác của mình tương tự, như một sự tương tác mở rộng giữa bản thân và màu sắc, Whitney có thể sử dụng văn hóa Da đen làm điểm xuất phát cho những ý tưởng trừu tượng mạnh mẽ của mình.
Bức tranh mới của Whitney, The Freedom We Fight For (2022) [Chúng ta đấu tranh cho tự do này] là trọng tâm của cuộc đấu giá Tiêu điểm mới của Artsy hợp tác với Gagosian, gây quỹ cho Quỹ Nghệ thuật vì sự Công bằng và Tổ chức Kế hoạch của Phụ huynh vì một New York tốt đẹp hơn. Bức tranh nổi bật, 80 inch vuông, được thể hiện theo phong cách khối màu đặc trưng của Whitney, với các màu đỏ, vàng, xanh lá cây, cam, nâu, đen và xám được ngăn bởi các đường ngang màu đỏ, xanh lam và mòng két. Tác phẩm biểu trưng cho hình thức kẻ ô hiện đại, nhưng đồng thời cũng tháo dỡ hình thức lịch sử này bằng những lớp màu của nó.
Whitney giải thích, tựa đề bức tranh “đề cập đến thời điểm chúng ta đang sống, thời kỳ mà quyền con người đang bị tấn công ở đất nước này”. Trong một video mới, ông mô tả bối cảnh chính trị phân cực của ngày hôm nay là “thời điểm quan trọng”, nơi chúng ta thấy mình “ở giữa một cuộc chiến tranh lạnh giữa cánh tả và cánh hữu”. Ông nói thêm, “Nếu tôi có thể làm điều gì đó với tư cách một họa sĩ, tôi sẽ quyên góp một bức tranh.”
Vì mục tiêu đó, Whitney đã chọn Tổ chức Kế hoạch của Phụ huynh vì một New York tốt đẹp hơn, dựa trên công việc cung cấp dịch vụ chăm sóc sức khỏe sinh sản, như phá thai, nhưng cũng cho các dịch vụ kế hoạch hóa gia đình. Ngoài ra, ông đã chọn Quỹ Nghệ thuật vì sự Công bằng để ghi nhận số lượng đáng kinh ngạc những người bị cầm tù ở Hoa Kỳ, vượt xa bất kỳ quốc gia nào khác. “Cả hai đều là những tổ chức tuyệt vời mà tôi đã hỗ trợ trong quá khứ và công việc họ đang làm là rất quan trọng tại thời điểm này,” Whitney lưu ý. “Tôi rất biết ơn khi có cơ hội hỗ trợ họ trong cuộc đấu giá này.”
Stanley Whitney. Chúng ta đấu tranh cho tự do này, 2022.
Mặc dù sáng tác tranh trừu tượng, Whitney vẫn có thể truyền tải một cách mạnh mẽ các lập luận chính trị và văn hóa đến người xem. “Tôi luôn đặt tiêu đề cho tất cả các tác phẩm của mình để nếu bạn không nhìn thấy bức tranh, bạn vẫn có thể biết tôi là ai và tôi đến từ đâu,” ông giải thích.
Sinh ra tại Philadelphia vào năm 1946, Whitney nhận bằng MFA [Thạc sĩ Mỹ thuật] từ Trường Nghệ thuật Yale năm 1972. Phong cách color-block [khối màu] đặc trưng của ông, mà ông thường gọi là “phong cách trưởng thành”, không xuất hiện cho đến đầu những năm 1990, khi ông sống Ở Rome. Vào thời điểm này, sự va chạm của không gian và màu sắc đã xuất hiện trong tác phẩm của ông, lấy cảm hứng từ sự tương tác với kiến trúc cổ điển của Rome. Ngoài kiến trúc của thành phố, Whitney còn tìm thấy nguồn cảm hứng trong tác phẩm của những người theo chủ nghĩa hiện đại Ý như Giorgio Morandi và các nhạc sĩ người da đen nhạc jazz thử nghiệm như Charlie Parker, Miles Davis và Ornette Coleman.
Studio của Stanley Whitney, ảnh của Pushpin Films. © Stanley Whitney. Được phép của Gagosian.
Bản chất ngẫu hứng của nhạc jazz không chỉ là nhạc nền của Whitney khi ông làm việc mà nó còn phản ánh phương pháp vẽ tranh của ông. “Tôi luôn bắt đầu từ trên và vẽ xuống,” ông nói. Cách tiếp cận này cho phép ông làm việc với màu sắc và tạo ra sự đối chiếu qua lại khi bức tranh hình thành, giống như một màn độc tấu ngẫu hứng hơn là sự trình diễn được dàn dựng cẩn thận. Ông đã nói rằng màu sắc tuyên bố không gian và vị trí của nó trên tấm toan.
Các bức tranh ô vuông đầu tiên của Whitney từ những năm 1980 có các cổng tò vò dường như bùng nổ, tạo một lối đi qua. Theo thời gian, Whitney đã đi đến kết luận rằng ông không cần những đường nét để xác định không gian, một mình màu sắc đã nhiều hơn sự đầy đủ. “Cách dùng màu của tôi luôn là trực giác,” ông nói với Artsy. “Đó là những gì mình cảm thấy đúng. Màu sắc đối với tôi luôn kỳ diệu.”
Stanley Whitney. Trong ký ức về ngày mai, 2020.
Phong cách của Whitney, mặc dù nổi lên vào những năm 1970 và 1980 trong khi thế giới nghệ thuật nghiêng về chủ nghĩa Khái niệm, lại được sinh ra từ truyền thống hội họa của trường phái New York. Ông lấy Mark Rothko, Jackson Pollock và Joan Mitchell làm điểm tham chiếu chính của mình. Tuy nhiên, sự cứng nhắc của những nguồn gốc đó đã khiến Whitney chuyển hướng sang các thể loại khác, cuối cùng dẫn đến phong cách mang tính biểu tượng của ông. Whitney giải thích: “Có rất nhiều quy tắc ở Trường New York. Nó thực sự định hình tôi về mặt tinh thần như một nghệ sĩ. Tôi đã học được tầm quan trọng của việc có tinh thần bền bỉ, niềm tin vào công việc tôi đang làm, từ Trường New York.”
Sự công nhận xứng đáng đối với Whitney trong thế giới nghệ thuật chỉ đến trong thập kỷ qua, ông đã triển lãm và hợp tác với các phòng trưng bày quốc tế (ông được đại diện bởi Lisson Gallery bắt đầu từ năm 2015, trước khi gia nhập Gagosian vào đầu năm nay) và được trưng bày tại các viện nghệ thuật toàn cầu. Các triển lãm cá nhân đột phá của ông có thể kể đến “Focus: Stanley Whitney” (2016) [Tiêu điểm: Stanley Whitney] và “Dance the Orange” (2015) [Vũ điệu màu cam] tại Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại Fort Worth và Bảo tàng Studio ở Harlem. Mùa xuân vừa qua, Whitney đã có một buổi triển lãm đầy mê hoặc tại Palazzo Tiepolo Passi ở Venice trong đợt Biennale để kỷ niệm quá trình sáng tác ở Ý trong suốt sự nghiệp của mình. Trong ba thập kỷ qua, họa sĩ đã chia thời gian của mình cho New York và Parma, Ý.
Stanley Whitney trong studio của ông, ảnh của Pushpin Films. © Stanley Whitney. Được phép của Gagosian.
Gần đây, thị trường thứ cấp của Whitney đã phát triển theo cấp số nhân. Vào tháng 11 năm 2021, kỷ lục đấu giá của Whitney được thiết lập khi bức tranh Forward to Black (1996) [Thẳng tới màu đen], có chiều dài hơn 7 mét, được bán với giá hơn 2,3 triệu USD, vượt xa ước tính từ 150.000 – 200.000 USD tại Sotheby’s. Kỷ lục đó gần như được khớp vào tháng 3 năm nay, khi Nightwatch (2012) [Qua màn đêm] được bán với giá 1,7 triệu GBP (2,3 triệu USD) tại cuộc đấu giá The Now buổi tối của Sotheby’s. Trên thực tế, 10 kết quả đấu giá hàng đầu của họa sĩ đều xuất hiện trong năm qua, 9 trong số đó đã vượt qua mốc triệu đô.
Khi người xem tiếp xúc với phương pháp trừu tượng mới của Whitney, họ đối mặt với việc sử dụng nền tảng văn hóa của ông — từ nhạc jazz đến cổng vòm La Mã — trong quá trình họa sĩ sáng tác. Công việc từ thiện của ông, như đã thấy trong cuộc đấu giá mới nhất này và triển lãm trực tuyến năm 2020 “No to Prisons” [Không nhà tù], trong đó số tiền thu được cũng dành cho Quỹ Nghệ thuật vì sự Công bằng, hoạt động tương tự như một lời kêu gọi và phản hồi. Như chính Whitney đã nói, nghệ thuật trừu tượng có tác động chính trị bởi vì nó “[đặt] mọi thứ vào một câu hỏi”.
Nguồn: Artsy
Lược dịch bởi Viet Art View
